Сдам Сам

ПОЛЕЗНОЕ


КАТЕГОРИИ







Постимпрессионизм в Франции второй половины XIX ст. (Сезанн, Винсент Ван Гог, Гоген)





С конца XIX - начала XX вв. разнообразные новые течения во французской живописи объединились под названием постимпрессионизм, который сознательно выступил против некоторых принципов импрессионизма. Художники этого направления не придерживались только зрительных впечатлений, а стремились свободно и обобщенно передавать материальность мира, прибегали к декоративной стилизации (П. Сезанн, Ван Гог, П. Гоген).

Поля Сезанна

Сезанн (Сezanne) Поль (1839-1906), французский живописец. Учился в частной академии Сюиса в Париже (1861-1865); работал в Париже и Экс-ан-Провансе. В ранних работах Поля Сезанна, имеющих характер бурных, экспрессивных и фантасмагорических сцен (“Оргия”, 1864-1868), заметно воздействие на него живописи старых мастеров (Паоло Веронезе, Тинторетто), а также Эжена Делакруа и Оноре Домье. Рано сблизившись с Камилем Писсарро, Эдуаром Мане, Клодом Моне, Сезанн в 1874 и 1877 участвовал в выставках импрессионистов, но уже в этот период складывается его собственная живописная система. (“Дом повешенного в Овере”, 1872-1873, Музей Орсе, Париж). Упорно постигая эти законы, Сезанн подолгу разрабатывал один и тот же мотив в поисках структурной конструктивности природных форм (многочисленные изображения горы Сент-Виктуар, в том числе в Институте Кортолда, Лондон, 1887; в Эрмитаже, Санкт-Петербург, около 1900; и в других собраниях). В пейзажах с их широким, панорамным охватом наполненного светом ландшафта Сезанн достигает величественной эпичности (“Берега Марны”, 1888).

Творчество Сезанна, одного из главных мастеров постимпрессионизма , оказало громадное влияние как на многих художников ХХ века, так и на целые направления изобразительного искусства, разрабатывавшие, как правило, отдельные стороны сезанновского наследия (кубизм, лучизм, так называемая симультанная живопись и др.).



Картежники

Пьеро и Арлекин

Натюрморт с черепами, 1900

Натюрморт с драпировкой

 

Винсента ван Гога

Ван Гог Винсент (Van Gogh Vincent) (1853-1890), голландский живописец. В 1869-1876 служил комиссионером художественно-торговой фирмы в Гааге, Брюсселе, Лондоне, Париже, в 1876 работал учителем в Англии. Ван Гог изучал теологию, в 1878–1879 был проповедником в шахтерском районе Боринаж в Бельгии. Защита интересов шахтеров привела ван Гога к конфликту с церковными властями. В 1880-е годы ван Гог обратился к искусству, посещал Академию художеств в Брюсселе (1880–1881) и Антверпене (1885-1886). Ван Гог пользовался советами живописца А.Мауве в Гааге, с увлечением рисовал простых людей, крестьян, ремесленников, заключенных. (“Крестьянка”, 1885, Государственный музей Крёллер-Мюллер, Оттерло; “Едоки картофеля”, 1885, фонд Винсента ван Гога,Амстердам), В 1886–1888 ван Гог жил в Париже, посещал частную художественную студию, изучал живопись импрессионизма, японскую гравюру, “синтетические” произведения Поля Гогена. (“Мост через Сену”, 1887, “Папаша Танги”, 1881). В 1888 ван Гог переехал в Арль, где написал пейзажи (“Жатва. Долина Ла-Кро”, 1888), то в зловещих, напоминающих ночной кошмар образах (“Ночное кафе”, 1888,).

Напряженная работа ван Гога в последние годы сопровождалась приступами душевной болезни, которая привела его в больницу для душевнобольных в Арле, затем в Сен-Реми (1889–1890) и в Овер-сюр-Уаз (1890), где он покончил жизнь самоубийством. Картины:

 

Лодки в Сен-Мари, 1888

Мост де л'Англуа, 1888

Ирисы, 1890

Подсолнухи, 1888

Поль Гоген

Гоген Поль (Gauguin Paul) (1848–1903), французский живописец. В юности служил моряком, в 1871–1883 – биржевым маклером в Париже. В 1870-е годы Поль Гоген начал заниматься живописью, принимал участие в выставках импрессионистов, пользовался советами Камиля Писсаро. С 1883 всецело посвятил себя искусству, что привело Гогена к нищете, разрыву с семьей, скитаниям. В 1886 Гоген жил в Понт-Авене (Бретань), в 1887 – в Панаме и на острове Мартиника, в 1888 вместе с Винсентом ван Гогом работал в Арле, в 1889–1891 - в Ле-Пульдю (Бретань). В 1891 Гоген уехал на остров Таити (Океания) и после кратковременного (1893–1895) возвращения во Францию поселился на островах навсегда (сначала на Таити, с 1901 – на острове Хива-Оа). Изображая сочную полнокровную красоту тропической природы, естественных, неиспорченных цивилизацией людей, художник стремился воплотить утопическую мечту о земном рае, о жизни человека в гармонии с природой (“А, ты ревнуешь?”, 1892; “Жена короля”, 1896; “Сбор плодов”, 1899, – все картины в ГМИИ, Москва; “Женщина, держащая плод”, 1893,

Гоген работал также в области скульптуры и графики.

 

Пробуждение духа мертвых

Таитянский пейзаж

Две девушки

 

30.Общая характеристика, основные идеи и этапы становления модернизма

Культурное сознание современности представлено двумя моделями: модерной и постмодерной.

Модерн (фр. moderne — новейший, современный) — одно из названий стилевого направления в европейском и американском искусстве кон. ХІХ — поч. ХХ век. В Бельгии, Великобритании и США, он известен как «новое искусство» (Art Nouvean), в Германии — «Югенд-стиль» (Jugend Stil), в Австрии — «стиль Сицессиона» (Sezessiostil), в Италии — «стиль Либерти» (Stile Liberty), в Испании — модернизм (modernismo).

Стиль «модерн» объединяет много относительно самостоятельных направлений и течений: кубизм, футуризм, имажинизм, сюрреализм, абстракционизм, поп-арт. Основные эстетичные принципы модернизма в искусстве — отрицания изображаемого, абстракционизм и поп-арт; в музыке — отрицание «мелодии, гармонии», доминирования электронной контрастной музыки; в театре — отсутствие логики, драматичного действия. В стиле модерн, как универсального стиля в свое время, возводились исчислении деловые, промышленные и портовые сооружения, вокзалы, театры, мосты и тому подобное.

Период становления модерн (предел ХИХ—ХХ ст.) обозначен национально романтичными захватами, интересом к средневековому и народному искусству. Этот этап характеризуется возникновением художественно ремесленных мастерских (прообразами их были мастерские У. Морриса (1861) и «Выставочное общество искусств и ремесел» в Великобритании), которые противопоставляли себя капиталистической индустрии: «Объединенные художественно ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремесел» (1899) в Германии; «Венские мастерские» (1903) в Австрии; мастерские в Абрамцеви (1882) и Талашкини (1900) в России.

«Зрелое» модерн (начало ХХ ст.) приобретает черты интернационального стиля, который базируется на применении принципиально новых художественных форм., модерн стремился возродить дух стилевого единства художественных организмов. совмещает в одном лице архитектора, графика, живописца, дизайнера и теоретика. Архитектурамодерн искала единства конструктивных и художественных принципов, начинала свободное, функционально обоснованное, планирование, применяла каркасные конструкции, разнообразные строительные и оздоблювальні материалы (железобетон, стекло, кованый металл, необработанный камень, фанеру, и тому подобное). (строения А. Гауди в Испании, В. Орта и Х. К. Ван где Велде в Бельгии, Ф. О. Шехтеля в России) .Основным средством выражения в стиле модерн является орнамент.

Орнамент модерн, что во всех видах искусства структурно организует плоскость и своеобразный ритм его искусственных линий, формировался в графике. Литография, искусство книги, достигли в этот период значительных вершин.— это искусство, где и создается (а не отображается) истинная красота.

В живописи и скульптуре модерн, неразрывно связанных с символизмом, есть стремление создать самостоятельную художественную систему. Важным импульсом в этом была деятельность так называемой понтавенської школы во главе с П. Гогеном. Картины и панно модерн рассматривает как элементы интерьера,

Динамика и подвижная формы и силуэта присущи скульптуре модерн (немец Г. Обрист, бельгиец Т. Минное), произведениям декоративно прикладного искусства, которые уподоблялись феноменам природы (керамика и железные изделия А. Гауди, металлические ограждения метро Е. Гимара, стеклянные изделия Галле, украшения Лалика, во Франции). Возникновение модерн способствовало становлению кинематографа как виду искусства, раскрыв тайны светописи, создав кинокадр. Модерным за сутью был дореволюционный кинематограф русского режиссера Есть. Бауэра.

 

Анри Матисса

 

Анри Матисс (Henri Matisse) (1869–1954), выдающийся французский художник. Родился 31 декабря 1869 в Ле-Като на севере Франции. В 1892 приехал в Париж, где учился в Академии Жюлиана, а позже у Гюстава Моро. Поиски непосредственной передачи ощущений при помощи интенсивного цвета, упрощенного рисунка и плоскостного изображения отразились в произведениях, представленных им на выставке «диких» (фовистов) на Осеннем Салоне 1905. В Салоне он выставляет ряд работ, и среди них «Женщину в зеленой шляпе». Произведения эти, произведшие скандальный фурор, положили начало фовизму. В это время Матисс открывает для себя скульптуру народов Африки, начинает ее коллекционировать, интересуется классической японской ксилографией и арабским декоративным искусством. К 1906 завершает работу над композицией «Радость жизни», сюжет которой навеян поэмой «Послеобеденный отдых фавна» В 1907 Матисс путешествует по Италии (Венеция, Падуя, Флоренция, Сиена). В «Заметках живописца» (1908) В мастерской Анри Матисса появляются ученики из разных стран.

Поднятое колено

Окно, 1916

Площадь в Сен-Тропе, 1904

Красные рыбки, 1911 Радость жизни

В 1908 С. И. Щукин заказывает художнику три декоративных панно для собственного дома в Москве. В панно «Танец» «Музыке» «Купание, или медитация»

После Первой мировой войны Матисс преимущественно живет в Ницце он увлекается изображением натурщиц в легких одеяниях (цикл «одалисок»); интересуется мастерами рококо. В 1930 едет на Таити, работает над двумя вариантами декоративных панно для фонда Барнеса в Мерионе (Филадельфия), В процессе создания эскизов Матисс начал использовать технику вырезок из цветной бумаги («декупаж»), которой широко пользовался в дальнейшем (например, в серии «Джаз», 1944-47, воспроизведенной впоследствии в литографиях). Перед Второй мировой войной Матисс иллюстрирует книги, выпускаемые малыми тиражами (гравюра или литография). Для дягилевских постановок делает эскизы декораций балета «Красное и черное» Две зимы, проведенные художником в Марокко (1912 и 1913), обогатили его знанием восточных мотивов, а долгая жизнь на Ривьере способствовала развитию яркой палитры. Умер Матисс 3 ноября 1954 года в Симье, близ Ниццы

Пабло Пикассо

Пабло Руис Пикассо (Picasso Pablo) (1881—1973), испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции. Пикассо - изобретатель новых форм живописи, новатор стилей и методов, и один из наиболее плодовитых художников в истории. Пикассо создал более чем 20 тысяч работ. Родился в Малаге 25 октября 1881 года. Гений Пикассо обнаружил себя рано: в возрасте 10 он написал свои первые картины, а в 15 он блестяще сдал приемный экзамен в Школу изящных искусств в Барселоне. Между 1900 и 1902, Пикассо совершил три поездки в Париж и окончательно обосновался там в 1904. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток.

.

Девочка на шаре

Поль в костюме Арлекина

После произведений "голубого" периода, картины "розового" периода представляют мир циркачей и бродяг ("Семья акробатов с обезьяной", 1905, Гетеборг, Художественный музей; "Девочка на шаре", Москва, ГМИИ им. А. С. Пушкина; "Семейство комедиантов", Вашингтон, Национальная галерея).

Портрет Амбруаза Воллара — владельца галереи, коллекционера, знатока искусства, друга художников — выполнен в формах аналитического кубизма. Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты.

Наряду с циклом великанш и купальщиц, картины, вдохновленные "помпейским" стилем ("Женщина в белом", 1923, Нью-Йорк, Музей современного искусства), многочисленные портреты жены ("Портрет Ольги", пастель, 1923, частное собрание) и сына ("Поль в костюме Арлекина", Париж, музей Пикассо) являют собой одни из самых пленительных произведений, После эпикурейского изящества 1920-х годов ("Танец", Лондон, галерея Тейт) в творчестве Пикассо появляется атмосфера конвульсий и истерии, ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ ("Сидящая купальщица", 1929, Нью-Йорк, Музей современного искусства), орущих ("Женщина в кресле", 1929, Париж, музей Пикассо), раздутых до абсурда и бесформенных ("Купальщица", рисунок, 1927, частное собрание) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы ("Фигуры на берегу моря", 1931, Париж, музей Пикассо).

В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса ("Лежащая женщина", 1932),









Не нашли то, что искали? Воспользуйтесь поиском гугл на сайте:


©2015- 2019 zdamsam.ru Размещенные материалы защищены законодательством РФ.